La pintura es el arte
de la representación gráfica utilizando pigmentos mezclados
con otras sustancias aglutinantes orgánicas o sintéticas. En este arte se
emplean técnicas de pintura, conocimientos de teoría del color y de composición pintoresca, y el
dibujo. La práctica del arte de pintar, consiste en aplicar, en una superficie
determinada —una hoja de papel, un lienzo,
un muro,
una madera, un fragmento de tejido,
etc.— una técnica determinada,
para obtener una composición de formas, colores, texturas, dibujos,
etc. dando lugar a una obra de arte según
algunos principios estéticos.
El arquitecto y teórico del
clasicismo André Félibien, en el siglo XVII, en un prólogo de
las Conferencias de la Academia francesahizo una jerarquía de géneros de la pintura clásica: «la
historia, el retrato, el paisaje, los mares, las flores y los frutos».
La pintura es una de las expresiones
artísticas más antiguas y una de las siete Bellas Artes.
En estética o teoría del arte, la pintura está considerada como una
categoría universal que comprende todas las creaciones artísticas
hechas sobre superficies. Una categoría aplicable a cualquier técnica o tipo de
soporte físico o material, incluyendo los soportes o las técnicas efímeras así
como los soportes o las técnicas digitales.
“La creación de Adán,
por Miguel Ángel. Detalle de uno de
los frescos de
la Capilla Sixtina en el Palacio Apostólico de la Ciudad del Vaticano.”
Una pintura es el soporte
pintado sobre un muro, un lienzo, o una lámina. La palabra pintura se aplica también al colorpreparado para pintar, asociado o no a
una técnica de pintura; en este sentido es empleado en la clasificación de la
pintura atendiendo a las técnicas de pintar, por ejemplo: «pintura al fresco»
o «pintura al óleo».
La clasificación de la pintura puede
atender a criterios temáticos (como la «pintura histórica» o la «pintura de género») o a
criterios históricos basados en los periodos de la Historia del Arte (como
la «pintura prehistórica», la «pintura gótica»)
y en general de cualquier período de la historia de la
pintura.
Las
pinturas son obras
de arte, atendiendo a su sentido estético Ernst Gombrich dice
que:
No
hay nada de malo en que nos deleitemos con la pintura de un paisaje porque
nos recuerda nuestra casa o
en un retratoporque
nos recuerda un amigo, ya
que como hombres que somos, cuando miramos una obra de arte estamos sometidos
al recuerdo de
una multitud de cosas que para bien o para mal influyen sobre nuestros gustos.
Gombrich, Historia
del arte (2002)
Y
parafraseando a Arnold Hauser:
Las
interpretamos (las pinturas) de acuerdo con nuestras propias finalidades y
aspiraciones, les trasladamos un sentido, cuyo origen está en nuestras formas
de vida y hábitos mentales.
Ernst Bloch en El
espíritu de la utopía (1918), defiende el arte no figurativo,
relacionándolo con una concepción
utópica del hombre, como un destino no revelado pero presente de forma
inconsciente en lo más profundo del ser humano.
Si
la tarea de la pintura fuera ponernos ante los ojos del aire y la preciosa
vastedad del espacio y de todo lo demás, más valdría ir a disfrutar directa y
gratuitamente de todo aquello.
Ernst Bloch, El
espíritu de la utopía (1918)
“El arte de la
pintura por Johannes Vermeer (1665) Kunsthistorisches
Museum de Viena.”
Historia
de la Pintura
La historia de la pintura comprende
desde la prehistoria hasta la Edad Contemporánea, e incluye todas las representaciones
realizadas con las diferentes técnicas y cambios, que coincide con la historia del arte en
su contexto histórico y cultural.
El llamado arte parietal de pintura mural en cuevas, se
concentra fundamentalmente en algunas regiones pirenaicas pertenecientes
a Francia y España y
en la costa mediterránea en el arte levantino,
y en otras muestras inferiores que se encuentran en Portugal, Norte de África, Italia y Europa oriental.
Las pinturas rupestres más antiguas conocidas se
encuentran en la Cueva de Chauvet,
en Francia, fechadas por algunos historiadores en unos 32.000 años, de los
períodos entre el Auriñaciense y
el Gravetiense. Fueron realizadas con ocre de arcilla, rojo de óxido de hierro y negro de
dióxido de manganeso. También destacan las cuevas de Lascaux y Altamira.
Se encuentran dibujados rinocerontes, leones, búfalos, mamuts, caballos o seres
humanos a menudo en actitud de caza.
Las imágenes que se observan en papiros o
las paredes de las tumbas egipcias, desde hace unos 5.000 años, son escenas de
la vida cotidiana y mitológicas, simbolizadas con los rasgos característicos de
perfil y utilizando el tamaño de las figuras como rango social. En la Antigua Roma era
normal decorar los muros de las casas y palacios principales y entre las mejor
conservadas se encuentran las de Pompeya y Herculano.
En la época paleocristiana se decoraron las catacumbas con
escenas del Nuevo Testamento y con la representación de Jesús como
el «Buen Pastor». Eran figuras estáticas con grandes ojos que parecían mirar al
espectador. Este estilo continuó en la escuela bizantina de Constantinopla.
La pintura románica se desarrolla entre los siglos
XII y XIII, siendo las zonas más interesantes las del Sur de Francia y
las de Cataluña, la mayoría de las veces eran temas
religiosos realizados para los ábsides y
muros de las iglesias con representaciones del Pantocrátor,
la Virgen María y la vida de santos.
En pintura gótica además de los temas religiosos
se representan temas laicos principalmente en Francia e Italia,
donde destacó la figura el pintor Giotto.
“La Gioconda pintura del renacimiento por Leonardo da Vinci.”
En el renacimiento tuvo
la pintura una gran influencia clásica, se desarrolló la perspectiva lineal
y el conocimiento de la anatomía humanapara su aplicación en la pintura,
también en esta época apareció la técnica del óleo. Fue una época de grandes pintores
entre los que destacaron Leonardo da Vinci, Miguel Ángel, Rafael Sanzio y Tiziano.
En la obra de La Gioconda descollan las nuevas técnicas
empleadas por Leonardo, el sfumato y
el claroscuro. Miguel Ángel realizó una de las más
grandes obras pictóricas: los frescos de
la Capilla Sixtina. Los artistas que más emplearon temas
simbólicos fueron los del Norte de Europa encabezados
por los hermanos Jan van Eyck y Hubert van Eyck.
En Alemania sobresalió
el pintor y humanista Durero.
“Hipnotizador (1912), de Bohumil Kubišta (Ostrava). Pintura del expresionismo con mezcla
del cubismo”.
La Iglesia de la Contrarreforma busca
el arte religioso auténtico con el que quiere contrarrestar la amenaza
del protestantismo, y para esta empresa las convenciones
artificiales de los manieristas,
que habían dominado el arte durante casi un siglo, ya no parecían adecuadas.
Las dos características más importantes del manierismo eran el rechazo de las
normas y la libertad en la composición, en los colores y en las formas, la
novedad de los caravaggistas era un naturalismo radical que
combinaba la observación física detallada con una aproximación, incluso teatral
y dramática mediante el claroscuro,
el uso de luz y sombra. Caravaggio y Annibale Carracci son
dos pintores coetáneos, considerados decisivos en la conformación pictórica
del barroco. La pintura barroca se caracteriza
por el dinamismo de sus composiciones; se distinguieron entre otros Velázquez, Rubens y Rembrandt.
En la primera mitad del siglo XVIII se impuso el rococó,
más alegre y festivo que el barroco. Tuvo especial importancia en Francia y Alemania.
El romanticismo de
principios del siglo XIX expresaba estados de ánimos y sentimientos intensos.
En Francia el
pintor más importante fue Delacroix;
en el Reino Unido, Constable y Turner; en los Estados Unidos, Thomas Cole;
y en España, Francisco de Goya.
Con la invención de la fotografía a
mediados del siglo XIX, la pintura empezó a perder su objetivo histórico de
proporcionar una imagen realista; el impresionismo, con Manet como precursor, es un estilo de
pinceladas sueltas y yuxtaposición de colores que busca reconstruir un instante
percibido, una impresión, sin interesarse por los detalles concretos.
El inicio del siglo XX se caracteriza
por la diversidad de corrientes pictóricas: el Fovismo,
que rechaza los colores tradicionales y se acerca a colores violentos; el Expresionismo,
que mostraba más los sentimientos que la reproducción fiel de la realidad;
el Cubismo con Georges Braque y Picasso,
con la descomposición de las imágenes tridimensionales a puntos de vista
bidimensionales; y la pintura abstracta,
heredera del cubismo. El expresionismo abstracto se desarrolló en Nueva York entre
los años 1940-1950, el Pop art llegó
un poco después, con un conocido exponente en Andy Warhol.
El minimalismo se caracteriza por la búsqueda
de la máxima expresión con los mínimos recursos estéticos. El siglo XXI
demuestra una idea de pluralismo y las obras se siguen realizando en una amplia
variedad de estilos y gran estética.
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“Réplica de unas
pinturas de la cueva de Chauvet del
período Auriñaciense”.
Géneros pictóricos.
Los géneros artísticos, además de
clasificar las obras por temas, han sido la presentación artística a través de
la historia de la
pintura, que ha
afectado también la técnica, las dimensiones, al estilo y a la expresión de las
obras de arte. Los autores como Platón (427-347
a. C.), Aristóteles (384-322 aC) y Horacio (65-8
aC) afirmaron que el arte es siempre una mímesis y
que su mérito está en el valor didáctico de lo que representa y su buena
representación, sin establecer diferencias entre el retrato imaginado o
real. Vitruvio en la segunda parte del siglo I,
describió la decoración de comedores donde se veían imágenes con comida y de
otras salas con paisajes o escenas mitológicas.
En el renacimiento, Leon Battista
Alberti quiso
elevar el grado de «artesano de la pintura» al de «artista liberal» afirmando:
«El trabajo más importante del pintor es la historia», con la
palabra historia se refería a la pintura narrativa, con
escenas religiosas o épicas « ... la que retrata los grandes hechos de los
grandes hombres dignos de recordarse difiere de la que describe las costumbres
de los ciudadanos particulares, de la que pinta la vida de los campesinos. La
primera tiene carácter majestuoso, debe reservarse para edificios públicos y
residencias de los grandes, mientras que la otra será adecuada para jardines
...»
La aparición de la pintura al óleo en el siglo XVI y
el coleccionismo, hizo que, aunque no se perdiera la
monumentalidad para murales narrativos, surgieran las pinturas más comerciales
y en otros formatos más manejables, así comenzaron a clasificarse los géneros
pictóricos y su especialización por parte de los artistas. En la Italia central
se continuó haciendo pintura histórica, los pintores de la parte norte de la
península itálica realizaban retratos y
los de los Países Bajos realizaron la pintura de género a pequeña escala presentando la
vida campesina, el paisaje y
la naturaleza muerta. En 1667, André Félibien historiógrafo, arquitecto y
teórico del clasicismo francés, en un prólogo de
las Conferencias de la Academia hace una jerarquía de géneros de la pintura clásica: «la
historia, el retrato, el paisaje, los mares, las flores y los frutos».
Pintura histórica
La pintura histórica era considerada grande
genre e incluía las pinturas con temas religiosos, mitológicos,
históricos, literarios o alegóricos, era prácticamente una interpretación de la
vida y mostraba un mensaje intelectual o moral. Sir Joshua Reynolds, en sus Discursos sobre
arte expuestos en la Royal Academy of
Arts entre 1769
y 1790 comentaba: «El gran fin del arte es despertar la imaginación ... De
acuerdo en correspondencia con la costumbre, yo llamo esta parte del arte
Pintura Histórica, pero debería decirse Poética .(...) Debe algunas veces
desviarse de lo vulgar y de la estricta verdad histórica a la búsqueda de
grandeza para su obra ». Aunque Nicolás Poussin fue
el primer pintor que realizó este género en formato más reducido, esta
innovación tuvo poco éxito, Diego Velázquez en 1656 realizó Las Meninas con
un tamaño que demuestra simbólicamente que este retrato de la familia real
entra dentro del género de la pintura histórica, mucho más tarde Pablo Picasso en
su obra Guernica de 1937, también emplea una gran
dimensión para esta pintura histórica.
“Entierro del Conde de Orgaz (1586-1588),
de El Greco.Se
puede considerar dentro del género de pintura histórica: describe una leyendalocal
según la cual elconde fue enterrado por sant Esteban y san Agustín. En la parte
inferior, se describe un enterramiento con la pompa del siglo XVI; en la parte
superior, está representada la Gloria y la llegada del alma del conde”.
Retrato
Dentro de la jerarquía de géneros, el retrato tiene
una ubicación ambigua e intermedia, por un lado, representa a una persona hecha
a semejanza de Dios, pero por otro lado, al fin y al cabo, se trata de
glorificar la vanidad de una persona. Históricamente,
se ha representado los ricos y poderosos. Pero con el tiempo, se difundió,
entre la clase media, el encargo de retratos de sus familias. Aún hoy, persiste
la pintura de retrato como encargo de gobiernos, corporaciones, asociaciones o
particulares. Cuando el artista se retrata a sí mismo se trata de un autorretrato. Rembrant exploró en este sentido con sus
más de sesenta autorretratos. El artista en general intenta un retrato
representativo, como afirmó Edward Burne-Jones: «La única expresión que se puede
permitir en la gran retratística es la expresión del carácter y la calidad
moral, nada temporal, efímero o accidental.» En la técnica del óleo fue Jan van Eyck uno
de los primeros que lo impuso en los retratos, su Matrimonio Arnolfini fue un ejemplo de retrato de
pareja en cuerpo completo. Durante el renacimiento,
representaron el estatus y éxito personal del retratado, sobresalieron Leonardo da Vinci, Rafael Sanzio y Durero. En España descollaron Zurbarán, Velázquez y Francisco de Goya.
Los impresionistas franceses también practicaron este género, Degas, Monet, Renoir, Vincent van Gogh, Cézanne etc.
En el siglo XX, Matisse, Gustav Klimt, Picasso, Modigliani, Max Beckmann, Umberto Boccioni, Lucian Freud, Francis Bacon o Andy Warhol.
“Retrato de El doctor Paul Gachet(1890)
por Van Gogh”.
Pintura de género
La pintura de género o «escena de género» es el retrato
de los hábitos de las personas privadas en escenas cotidianas y contemporáneas
del pintor, también se suele llamar «pintura costumbrista». Los primeros
cuadros más populares se dieron en los Países Bajos durante
el siglo XVI y entre los artistas más destacados se encuentran Pieter Brueghel el
Viejo y Vermeer.
No se sabe con seguridad si se trata de simple representación de la realidad
con un propósito de mera distracción, a veces cómico, o bien se buscaba una
finalidad moralizante a través de los ejemplos cercanos al espectador. No hay
duda de que, en el cuadro de género del siglo XVIII, sí estaba presente la
intención satírica o moralizante en
obras como las de William Hogarth o Jean-Baptiste Greuze. En España, Diego Velázquez lo cultivó con su Vieja friendo huevos o El aguador de
Sevilla, Francisco de Goya reflejó,
en varias obras de cartones para tapices, las fiestas populares, Bartolomé Esteban
Murillo hizo
escenas de género de mendigos y jóvenes picarescos. En Francia, Jean-Honoré
Fragonard y Antoine Watteau hicieron
un tipo de pinturas idealizadas de la vida diaria.
“Pintura de género: Boda campesina(1568) por Pieter Brueghel el
Viejo”.
Paisaje
En China y Japón son
los países donde, desde el siglo V, se encuentran pinturas con el tema
del paisaje. En Europa,
aunque aparecen elementos de paisaje como fondo de escenas narrativas, o
tratados de botánica y farmacia,
se inicia verdaderamente en el siglo XVI, cuando con la aparición del
coleccionismo se empezó a pedir temas de cuadros campestres y a designar como
especialistas a los pintores del norte de Europa. Así de una manera específica
se impuso el tema del «paisaje holandés», que se caracteriza por su horizonte
bajo y los cielos cargados de nubes y con motivos típicos holandeses como los
molinos de viento, ganados y barcas de pesca. Los paisajes venecianos de Giorgione y
sus discípulos son con una apariencia lírica y un bello tratamiento cromático,
este tipo de pintura se desarrolló sobre todo a lo largo de todo el siglo
XVIII, en un estilo llamado vedutismo,
que son vistas generalmente urbanas, en perspectiva, llegando a veces a un
estilo cartográfico, donde se reproducen imágenes
panorámicas de la ciudad, describiendo con minuciosidad los canales, monumentos
y lugares más típicos de Venecia, solos o con la presencia de la figura humana,
generalmente de pequeño tamaño y en grandes grupos de gente. Sus mayores
exponentes fueron Canaletto, Bernardo Bellotto, Luca Carlevarijs y Francesco Guardi.
En la escuela de Barbizon fueron los primeros en pintar al
aire libre y hacer un estudio sobre el paisaje a base de la luz y sus variantes
que influyeron especialmente en la pintura
impresionista.
“Paisaje tipo vedutismo de
la Iglesia de Santa Lucía des
del Gran Canal(siglo XVIII) por Francesco Guardi”.
Naturaleza muerta
Es el género más representativo de la
imitación de la naturaleza de objetos inanimados, en
general de la vida cotidiana, como frutas, flores, comida, utensilios de
cocina, de mesa, libros, joyas etc. y se puede decir, que es el menos literario
de todos los temas. Su origen está en la antigüedad donde se utilizaba para la
decoración de grandes salones, como los frescos romanos
en Pompeya. Plinio el Viejo relata
que los artistas griegos de siglos antes, eran muy diestros en el retrato y la naturaleza muerta.
Fue muy popular en el arte occidental desde el siglo XVI, un ejemplo es La
carnicería de Joachim Beuckelaer. En el mismo siglo Annibale Carracci y Caravaggio representaron
magníficas naturalezas muertas. Durante el siglo XVII evolucionó en los Países
Bajos un tipo de bodegón, llamado «vanitas», donde se exponían instrumentos
musicales, vidrio, plata y vajilla, así como joyas y símbolos como libros, cráneos
o relojes de arena, que servían de mensaje moralizante de lo efímero de los
placeres de los sentidos. La Academia francesa lo
catalogó en el último lugar de la jerarquía pictórica. Con la llegada del
impresionismo y junto con la técnica del color, la naturaleza muerta volvió a
ser un tema normal entre los pintores, las pinturas de los Girasoles de Van Gogh son
de los más conocidos. Los artistas durante el cubismo pintaron
también composiciones de bodegones, entre ellos Pablo Picasso, Georges Braque, Maria Blanchard y Juan Gris.
“Canasta de fruta (c. 1599) naturaleza muerta
por Caravaggio”.
Desnudo
“El Juicio de Paris (1904) de Enrique Simonet”.
El desnudo es un género artístico que
consiste en la representación del cuerpo humano desnudo.
Es considerado una de las clasificaciones académicas de
las obras de arte. Aunque se suele asociar al erotismo,
el desnudo puede tener diversas interpretaciones y significados, desde la mitología hasta
la religión, pasando por el estudio anatómico,
o bien como representación de la belleza e
ideal estético de perfección, como en la Antigua Grecia.
El estudio y representación artística del cuerpo humano ha sido una constante
en toda la historia del arte, desde la prehistoria(Venus de Willendorf) hasta nuestros días. Una de las
culturas donde más proliferó la representación artística del desnudo fue la
Antigua Grecia, donde era concebido como un ideal de perfección y belleza
absoluta, concepto que ha perdurado en el arte clasicista llegando hasta nuestros días, y
condicionando en buena medida la percepción de la sociedad occidental hacia el
desnudo y el arte en general. En la Edad Media su
representación se circunscribió a temas religiosos, siempre basados en
pasajes bíblicos que así lo justificasen. En
el Renacimiento, la nueva cultura humanista, de signo más antropocéntrico,
propició el retorno del desnudo al arte, generalmente basado en temas
mitológicos o históricos, perdurando igualmente los religiosos. Fue en el siglo XIX,
especialmente con el impresionismo,
cuando el desnudo empezó a perder su carácter iconográfico y a ser representado
simplemente por sus cualidades estéticas, el desnudo como imagen sensual y
plenamente autorreferencial.
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